MORGONDAGENS DAGSTIDNING – lördag 19 april 2025

lördag 19 april 2025

Halloween-filmerna är rysligt sevärda klassiker

Nu när det är dags för Halloween är det vid lämplig tidpunkt att spana in tre av de förnämsta rysare och skräckfilmer som producerats: Halloween, Halloween II samt Halloween III: Season of the Witch. Förnämliga alster alla tre men måhända på lite olika sätt och av olika anledningar.

publicerad 30 oktober 2021
– av Jan Sundstedt
Halloween
De svenska originalaffischerna speglar den rysliga "Halloween"-trion väl.

Black cats and goblins and broomsticks and ghosts, Covens of witches with all of their hosts, You may think they scare me, You’re probably right, Black cats and goblins, On Halloween night, Trick or treat!

Så var det då dags. Den tiden på året då det är dags att uppmärksamma det som i USA benämns som – och till Sverige på senare importerats – Halloween.

Halloween förknippar nog de flesta som sagt var med USA. Dit kom högtiden dock i sin tur med irländska invandrare vid mitten av 1800-talet.

Firandet har sitt ursprung i den keltiska högtiden Samhain – en hednisk nyårsfest som markerade att sommaren var slut och vintern började. Andeväsen, älvor och häxor ansågs vara speciellt aktiva vid denna tid på året.

Namnet kommer av engelskans ”all hallows eve” (alla helgons afton); kvällen före alla helgons dag som traditionellt infaller den 1 november. Halloween firas då logiskt sett den 31 oktober varje år.

En trio som förtjänar att uppskattas

Nu till motivet och syftet med artikeln: Att hylla tre av de förnämsta rysare och skräckfilmer på ämnet ifråga producerats: Halloween, Halloween II, samt Halloween III  – Season of the Witch.

Av Nya Dagbladets kloka läsarkrets finns säkerligen ett flertal filmintresserade som vet att legendariske filmskaparen John Carpenter till stor del står bakom filmtrion ifråga. Rebellen Carpenter en mångbegåvad herre som utöver regissör också producerat, författat, redigerat och komponerat musiken till ett flertal av sina egna filmer.

John Carpenter 1982
John Carpenter under inspelningen av ”The Thing” (1982). Foto: Imdb

Inspiration till Halloween inhämtade Carpenter och dåvarande kollegen tillika hustrun Debra Hill från inte minst Hitchcocks Psycho. Bob Clark-regisserade Black Christmas (1974), lär enligt utsago också ha influerat manuset.

Jag tycker vi omgående slår oss ner i läsfåtöljen, tänder läslampan och tar oss an ryslighetstrion…

03. Halloween III (1982) – det svarta fåret

Bortglömd av många, hatad av vissa men älskad av andra, skulle man kanske kunna beskriva detta mini-mästerverk i genren. Bortglömd, som i undanstoppad och ställd i seriens smakvrå. Hatad, som i den tröttsamma och tjatiga klyschan ”Filmen suger… Michael Myers är ju inte med” och liknande nonsensprat.

Personligen älskar jag emellertid filmen. Just för att den är så härligt udda, genuint ryslig och skönt osande av 80-tal. En viktig komponent i att förstå varför Halloween III ser ut som den gör är att John Carpenter och Debra Hill ville distansera den från de två föregående filmerna och göra något totalt annorlunda.

Planen var att ungefär vartannat år göra fristående filmer på Halloween-temat, var och en med unik handling och story. Läs; inte ha något med Michael Myers att göra. Filmen är sålunda ett tappert och förnämligt försök att göra just detta.

De mystiska Silver Shamrock-maskerna i ”Halloween III: Season of the Witch”. Foto: Imdb.

Välkommen till Santa Mira

Efter att hennes far Harry Grimbridge (Al Berry) i filmens hårresande inledning blir tagen av daga – under synnerligen otäcka omständigheter – beslutar dottern Ellie Grimbridge (Stacy Nelkin) och Dr. Daniel Challis (Tom Atkins) att på egen hand gräva i saken. Spåren leder dem till den på ytan oansenliga staden Santa Mira ute på den Kalifornska vischan. Stadens invånare uppvisar inom kort krypande och smått otäcka karaktärsdrag. Exempelvis en nästan manisk trohet till stadens starke man – leksaksmakaren Conal Cochran (underbart gestaltad av Dan O’Herlihy).

Cochran är grundare och ägare av leksaksföretaget Silver Shamrock Novelties. Leksaksföretaget tillverkar som sagt leksaker och är bland annat kända för sina avancerade Halloween-masker. Det dröjer inte länge innan paret en djävulsk komplott från Cochrans sida. Lyckas den gode doktorn och dotter Grimbridge omintetgöra den onda leksaksmakarens planer, eller står mänskligheten handfallen för en fruktansvärd katastrof? Återstår att se…

En hade turen att uppleva filmen på bio, premiäråret 1982 på biografen Sture i Stockholm. Förvisso 14 år och osnuten men hade redan blivit på det klara med att Carpenters filmer var dels mästerverk i sig, ruskigt läskiga och spännande samt dels sinnrikt annorlunda. En brallade förvisso på sig av anspänning men som så ofta med genrefilmer kan man inte motstå att beskåda alstret.

Halloween III Santa Mira
Santa Mira – staden du för allt smör i Småland inte vill besöka. Foto: Imdb

Äkta Carpenter

Visst är kärlekshistorien mellan Doktor Daniel och Ellie redigt kliché och sett till handlingen överflödig men hey; det finns värre saker därute. Filmens fördelar överväger med råge det fåtal minustecken som huserar.

Manuset är genomtänkt och anstränger sig för att vara annorlunda jämfört med skräckfilmer överlag och föregångarna i synnerhet. Inga ensamma mordiska knäppgökar här inte. I Santa Mira är samtliga invånare om inte obehagliga så i alla fall mystiska. Vilka är alla dessa tystlåtna män i skräddarsydda kostymer som tycks finnas överallt och ingenstans?

Filmen är producerad av dåvarande radarparet Carpenter/Hill, men regin överlämnades till Carpenters protegé Tommy Lee Wallace, som längre fram i tiden regisserade Fright Night 2, (1988) samt miniserien It, 1990). Trots detta genomsyrar Carpenters anda filmen, hans stil och känsla tydligt närvarande. Halloween III utstrålar följaktligen en stark ”Carpenteresque” känsla i ton, bildspråk och klippning.

Musiken av John Carpenter och samarbetspartner Alan Howarth i sedvanlig ordning magisk. Ödesmättad, stämningfull och obehaglig kryper den åskådaren inpå bara skinnet och förhöjer rysligheterna som sköljer över oss. Många ’cues’ är klassisk Carpenter och ljudbilden är typisk för det sound han och Howarth jobbade med cirka 1981 – 1989.

Missriktad marknadsföring

Filmens titel skapade viss förvirring inför premiären, delvis på grund av en missledande marknadsföringskampanj. En mer passande skulle kanske varit Halloween: Season of the Witch, istället för att numrera den som del III. Många trodde felaktigt att Michael Myers skulle återvända efter Halloween II, men så blev det alltså inte.

På grund av dels tafflig marknadsföring (bland annat misstaget att kalla den för Halloween III) och dels (här tar jag mig friheten att sätta mig på en liten piedestal) publikens dåliga smak, blev filmen, om inte en renodlad flopp, så i alla fall en betydligt modestare framgång än de två föregående skapelserna.

I Hollywood styrs det mesta av mängden dollarsedlar, så planerna på en hel räcka serier på olika Halloween-filmer lades efter denna i malpåse.

Det blir emellertid från min sida vid rinkside tummen upp för Halloween III. Vän av ordning rekommenderas att bilda sig en egen uppfattning och inte tro blint på allt som skrivs på IMDB och Rotten Tomatoes.

Regi: 4
Manus: 3
Produktion: 4
Musik: 5
Skådespeleri: 4

02. Halloween II (1981) – mer från samma natt Han kom hem

Efter succén med Halloween var en uppföljare givetvis ofrånkomlig. John Carpenter och Debra Hill, hjärnorna bakom originalet, var dock skeptiska – de menade att historien skulle lämnas vid originalets öppna slut.

Trots detta lyckades producenterna Moustapha Akkad och Irwin Yablans övertyga duon att skriva manuset till tvåan. Ett arbete som enligt Carpenter själv krävde sin beskärda del öl, i syfte att få igång inspirationen. Carpenter har varit vokal med att man gick med på att ta sig an uppföljaren som en gentjänst till Akkad/Yablans – som ett slags gentjänst för första filmen.

Han gick med på att skriva manus, producera och komponera musiken men vägrade styvnackat att regissera. Istället gavs regissörsstolen till Rick Rosenthal, som, med viss kreativ styrning från Carpenter, tog över projektet.

Efter ett par veckors borstande låg så till slut ett manus i alla fall på bordet. Dock ett manuskript Hill och Carpenter själva var sådär lagom nöjda med. Filmbolaget hoppade dock jämfota av glädje över att nu kunna spela in uppföljare till den vid tidpunkten mest framgångsrika independentfilmen någonsin.

Inspelningen av Halloween II pågick under perioden april – maj 1981 och tog sammanlagt omkring sex veckor. I princip samtliga överlevande från Halloween återkom – inklusive Jamie Lee Curtis och Donald Pleasence.

Halloween II 1981 Donald Pleasence som Dr. Sam Loomis
Var håller Michael hus, undrar Dr. Sam Loomis (Donald Pleasence). Foto: faksimil ”Halloween II”

Haddonfield Memorial Hospital

Efter Michael Myers spektakulära flykt i första filmen förs Laurie Strode till stadens sjukhus, samtidigt som en alltmer stressad och desperat Dr. Loomis och stadens poliskår fortsätter sin förtvivlade jakt på den förrymde galningen Myers. När Michael, i en scen regisserad av Carpenter själv, får nys om Laurie’s vistelseort beger han sig obevekligt till sjukhuset för att avsluta det han påbörjat.

Till sjukhusets djupa olycka inleds nu en kamp på liv och död. Samtidigt som Laurie i sitt halvt medvetslösa tillstånd befinner sig i livsfara och försöker överleva Michaels mordiska framfart i sjukhusets kusligt tomma korridorer…

Halloween II 1981 Jamie Lee Curtis
Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) anar oråd i ”Halloween II”. Foto: faksimil/Halloween II

En värdig uppföljare

Personligen har jag en särskild plats för Halloween II i mitt hjärta. Delvis mot bakgrund av filmen var mitt första möte med serien (1981-82 kunde man dock inte ana att Halloween skulle bli en så kallad franchise), i goda vänners lag sent en sommarkväll, via en slitstark VHS från klassiska videobolaget VTC. Anspänningen höll mig härligt vaken i veckor efteråt.

Visst har den sina logiska luckor – som varför stadens sjukhus är märkligt tomt på patienter, och att Laurie Strode saknar polisskydd. Men atmosfären och spänningen, särskilt i sjukhusets ödsliga miljöer, väger upp eventuella brister.

Tveeggat innehåller Halloween II mer ”gore” och mord än renodlad – som sin föregångare – krypande spänning och kuslig ton. Inte minst gäller detta kaoset som följer på sjukhuset, när Michael Myers går all in. En magnifik inledande halvtimme, ödsliga sjukhuskorridorer kombinerat med ett lysande soundtrack får mig likvisst att emellanåt acceptera skiftet i ton.

Filmen har icke desto mindre så många plus i kanten att undertecknad kan förbise eventuella manusbrister samt måhända en anings för mycket blodstänk.

 

 

Sömlös övergång

En av filmens styrkor ligger i att den börjar exakt där den första slutade. Man spelade till och med in slutscenen från första filmen en gång till, med samma skådespelare, inklusive Jamie Lee Curtis. Dock iklädd en inte helt övertygande och realistisk peruk (Curtis var vid tidpunkten kortklippt efter en tidigare roll).

Övergången från film till film är emellanåt så bra levererat att det till och från är svårt att se skillnad på vad som är nyinspelat och vad som härrör från originalet.

Det genomtänkta och originella konceptet att inleda Halloween II direkt efter första filmens slut skapar en härlig kontinuitet som många fans av serien uppskattar och håller högt. Hatten av för en mycket bra uppföljare till en av de mest legendariska skräckfilmerna någonsin.

Kuriosa: John Carpenter har trots allt ett litet regi-finger med i filmen. Efter det att inspelningen var klar beslöt man att – mot Rick Rosenthals vilja – göra en antal så kallade re-shoots av utvalda scener, samt lägga till ett antal nyskrivna dito – under överseende av just John Carpenter.

Regi: 4
Manus: 2½
Produktion: 4
Musik: 5
Skådespeleri: 3

01. Halloween (1978) – originalet

Då var ögonblicket här för the one and only: det rysliga mästerverket från 1978, Halloween. Populärkulturen har sina magiska stunder, när allt – från Elvis och The Beatles till James Bond och Stjärnornas krig – helt plötsligt faller på plats och blir ikoniskt. Precis så var det med Halloween. Allt klaffade – från idé till utförande, från paketering till publikens respons. Men framförallt låg Halloween helt rätt i tiden – minst sagt.

Regissören John Carpenter hade vid tidpunkten två filmer bakom sig – Dark Star (1974) och Assault on Precinct 13 (1976) – samtidigt som producenterna Moustapha Akkad och Irwin Yablans letade efter en talangfull, ung regissör för att skapa en lågbudgetskräckis. Valet föll på Carpenter, som skramlade ihop ett filmteam främst bestående av vänner och bekanta och med stöd av en modest budget på blott 300 000 dollar sattes planerna i verket.

Halloween 1978 John Carpenter Jamie Lee Curtis
John Carpenter och Jamie Lee Curtis under inspelningen av ”Halloween”. Foto: Imdb

”The Babysitter Murders”

Originaltiteln var The Babysitter Murders, men byttes snart till Halloween. Carpenter och Debra Hill, hans partner, skrev manus tillsammans, och Hill skapade filmens trovärdiga tonårskaraktärer, en viktig del av filmens framgång.

I rollen som Dr. Loomis sågs Donald Pleasence, som för bara 20 000 dollar och fem dagar på inspelningen blev en oförglömlig karaktär. Pleasence var inte första valet – både Christopher Lee och Peter Cushing tackade nej, och Lee har senare medgett att han ångrade sig.

Filmen satte också igång Jamie Lee Curtis karriär, där hon inledde sin bana som ”scream queen” innan hon etablerade sig som en skicklig skådespelerska i sin egen rätt. Att välja Curtis till filmen var också en hyllning till Alfred Hitchcock, då hennes mor Janet Leigh gestaltade Marion Crane i Psycho.

Med en pulserande, minimalistisk filmmusik – komponerad av Carpenter själv – och en oemotståndlig spänning blev Halloween en omedelbar succé. Michael Myers symboliserade den rena, ostoppbara ondskan, och filmen satte ribban för vad som skulle bli slasher-genren.

Än idag kvarstår Halloween som en milstolpe inom skräckfilmen, inte bara för sitt innehåll utan för den inflytande stil som kom att definiera en hel era av skräckfilmer.

Halloween 1978 Jamie Lee Curtis John Carpenter
Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) tycker sig se något utanför ett fönster i ”Halloween”. Foto. Imdb

Haddonfield, 31 oktober 1978

Det är Halloween 1963 i Haddonfield, Illinois, när sexårige Michael Myers plötsligt mördar sin tonårssyster Judith med en kökskniv. Han spärras in på mentalsjukhuset Smith’s Grove Sanitarium, där han under de följande femton åren bevakas noggrant.

År 1978, dagen före Halloween, anländer Michaels psykiater Dr. Samuel Loomis och hans kollega Marion Chambers för att varna sjukhusledningen om faran med att släppa honom fri.

Trots bevakningen lyckas Michael övermanna dem, stjäla deras bil och fly mot Haddonfield. På vägen dödar han en mekaniker och byter sjukhuskläderna mot en overall. När han anländer till sin hemstad, stjäl han en vit, uttryckslös mask och börjar sin förföljelse.

Halloween-dagen följer Michael gymnasieeleven Laurie Strode, som ovetande om faran känner sig övervakad. Hennes vänner Annie och Lynda avfärdar oron – vilket snart visar sig vara ett ödesdigert misstag…

”Slasher”filmens födelse (på gott och ont)

Halloween har allt man kan begära av en rysare av denna sort. Filmen blev för sin tid smått nyskapande och uppfann på köpet en subkategori inom skräck och rysare – den så kallade ”slasher”filmen. Visst existerade så kallade ”POV”-scener innan Halloween men Carpenter tog den subjektiva kameran till en helt ny nivå. POV = Point Of View = scener där vi som åskådare är subjektet. Subjektet i Halloween är såklart Michael Myers.

Carpenter bygger mästerligt upp stämningen genom antydningar snarare än att vältra sig i blod (vilket snabbt blev standard för alla de efterapningar som kom dess kölvatten). Filmen bygger på en krypande och suggestiv ton och inte explicita scener. Vi i publiken lär känna karaktärerna och därmed bry oss om dem. Manuset på det sättet skickligt och snitsigt utarbetat.

Musiken och då framför allt ledmotivet vida berömd i genrekretsar och behöver ingen närmare presentation. Givetvis komponerad och framförd av JC själv. Till på köpet är skådespelarna överlag klanderfria och levererar på bästa sätt. I synnerhet Pleasence och Curtis gör utsökta insatser med ett litet hedersomnämnande till Charles Cyphers.

Av filmer på min egen topp-tre-lista i genren som sådan, är John Carpenters Halloween tveklöst högst på tronen. Det blir i princip inte bättre än så här. Betygen blir, utan den minsta betänketid, följande:

Regi: 5
Manus: 5
Produktion: 5
Musik: 5
Skådespeleri: 5

Med ovan sagda vill jag avslutningsvis önska alla läsare på Nya Dagbladet en synnerligen glad Halloween. Närmare bestämt en riktigt rysligt glad sådan…

 

Jan Sundstedt

 

Halloween, Halloween II och Halloween III: Season of the Witch är amerikanska skräck/slasherfilmer från 1978, 1981 och 1982.

I Halloweenserien finns totalt 12 filmer varav dessa tre är de första. John Carpenter var manusförfattare och regissör till första filmen, andra filmen manusförfattare och producent samt producent i den tredje filmen.

Trovärdighet – grunden i vår journalistik sedan 2012

Nya Dagbladets position är unik i det svenska medielandskapet. NyD är oberoende på riktigt. Tidningen ägs och kontrolleras inom den egna redaktionen – inte av stora mediekonglomerat eller utländska intressen.

Sedan grundandet 2012 har grunden i vår oberoende journalistik varit balans och trovärdighet framför sensationsjournalistik och snabba klick. NyD är Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning och står helt fri från politiska partier och industriintressen.

NyD erhåller inget presstöd och finansieras genom läsardonationer och annonser. Läs mer om våra pressetiska riktlinjer här.

Krigets första offer är oskyldigheten

Den 30 april 1975 föll Saigon för nordvietnamesiska styrkor och USA lämnade därmed sin direkta inblandning i den långa och blodiga konflikten som var Vietnamkriget. Otaliga filmer om kriget har sedan dess sett dagens ljus, men ingen har skildrat den enskilde amerikanske infanteristens umbäranden så starkt och så gripande som Oliver Stones ”Plutonen”.

publicerad 12 april 2025
– av Jan Sundstedt
Plutonen
"Plutonen" kretsar till stor del kring menige Chris Taylor (Charlie Sheen) och dennes upplevelser i Vietnams krigshärjade djungler.

Med 1986 års hyllade mästerstycke Plutonen tar Hollywood-rebellen och politiskt medvetne regissören Oliver Stone oss med på en resa genom ett av de mest omtumlande kapitlen i modern historia – Vietnamkriget.

Det är nu 50 år sedan Saigon föll och kriget fick sitt slut. Sedan dess har ingen annan film lyckats förmedla den enskilde soldatens verklighet som Stones oerhört gripande och ofta hjärtskärande film från 1986, en filmupplevelse som samtidigt informerar och berör på djupet.

”Rejoice O young man in thy youth…”

Manuset skrev Stone utifrån sina egna erfarenheter som infanterisoldat i Vietnam, där han tjänstgjorde 1967–68, i 25:e infanteridivisionen (Tropic Lightning).

Ursprungligen försökte han få filmen gjord redan under 1970-talet, men Hollywood var vid tiden ovilligt att satsa på en sådan rå och kompromisslös skildring av kriget. Legenden säger bland annat att Jim Morrison, sångaren i The Doors, hade en kopia av manuset i sin ägo när han avled i Paris 1971.

Plutonen är inte bara en återgivning av Vietnamkrigets brutala realiteter, utan också ett djupt personligt vittnesbörd om hur historiska skeenden lämnar bestående ärr i de små människornas liv. Här möts vi av en film där varje skott, varje tyst minut och varje blick på duken talar om den råa sanningen – den sanning som inte bara kan berättas utan också kännas.

”Jag ville visa kriget som det verkligen var, med alla dess fasor och det personliga lidandet – en verklighet som ofta göms bakom de stora politiska besluten.”

Denna syn på kriget, som varken idealiserar eller demoniserar, ger filmen en extra dimension av trovärdighet. Genom att använda sina egna erfarenheter som grund, lyckas Stone skapa en atmosfär där varje ögonblick är laddat med både känslor och historisk tyngd.

Plutonen Oliver Stone
Regissören Oliver Stone, i mitten med regnrock, eldar på sitt manskap. Foto. Imdb

Vietnam, 1968…

Filmen inleds med att den unge rekryten Chris Taylor (Charlie Sheen), en idealistisk universitetsstudent, anländer till en amerikansk bas i Vietnam. Taylor har frivilligt tagit värvning för att strida i kriget, men hans naiva förhoppningar om att tjäna sitt land grusas snart av den brutala verkligheten i djungeln.

Chris kastas snart in i en skoningslös konflikt, inte bara mot fienden utan även mellan sina egna befäl i form av den brutale och cyniske sergeant Barnes (Tom Berenger) samt den mer empatiske sergeant Elias (Willem Dafoe), som kan sägas representera två motsatta sidor av det amerikanska militära ledarskapet. Så småningom delas plutonen i två grupper, där hälften följer Barnes och den andra Elias.

Manskapet söndras än mer efter det att plutonen – ute efter hämnd – begått fruktansvärda övergrepp i en liten vietnamesisk by, inklusive mord och misshandel av civila. Något som ytterligare spänner relationerna mellan soldaterna och förstärker motsättningarna mellan Barnes och Elias…

Plutonen
St. Sgt. Barnes (Tom Berenger) på gränsen till galenskap i ”Plutonen”. Foto: Imdb/MGM/UA

Visuellt och emotionellt slående

Filmfotografin av Robert Richardson bidrar starkt till filmens autenticitet. Den vietnamesiska djungeln är både vacker och hotfull, en labyrint där döden kan lura bakom varje träd. Samtidigt förstärks intensiteten av Georges Delerues gripande filmmusik och det oförglömliga användandet av Samuel Barbers ”Adagio for Strings” – som skapar en nästan sakral stämning i filmens mest hjärtskärande scener.

Skådespelarinsatserna är en annan av filmens stora styrkor. Charlie Sheen lyckas träffsäkert förmedla Taylors gradvisa förfall från oskyldig yngling till härjad soldat. Men det är Tom Berenger och Willem Dafoe som verkligen lyser. Berenger är skrämmande i sin skildring av Barnes, en man vars ansikte är lika sargat som hans själ. Dafoe, å sin sida, ger oss en Elias fylld av tragisk skörhet och moralisk styrka. Duon gestaltar sina respektive roller så förnämligt att realismen emellanåt nästan blir för påtaglig.

Även om Chris, Sgt. Elias och St. Sgt. Barnes är filmens centrala pelare, förtjänar även resten av rollistan att uppmärksammas. Skådespelare som Keith David, Kevin Dillon, Forest Whitaker, Francesco Quinn, John C. McGinley med flera, tillför varje karaktär en unik nyans som tillsammans skapar en mosaik av känslor och erfarenheter. Varje prestation är en pusselbit i den större bilden av ett krig som inte bara handlar om strider och segrar, utan om människans kamp för att behålla sin identitet mitt i kaoset.

Plutonen
2nd Platoon, Bravo Company, 3rd Battalion, 25th Infantry Division, i ”Plutonen”. Foto: Imdb

Moralisk kamp

Inför inspelningen genomgick alla skådespelare en intensiv tvåveckors militär grundutbildning på Filippinerna, under överinseende av den militäre rådgivaren och Vietnamveteranen Dale Dye. Oliver Stones avsikt var dock inte att få männen att knyta an till varandra och agera som en enhet, utan att beröva dem sömn och göra dem helt utmattade, och därigenom få dem att leva upp till sina roller.

Den centrala konflikten i Plutonen står att finna i maktkampen mellan just Barnes och Elias, där deras motsatta sätt att se på kriget och sina soldater speglar en större moralisk kamp. Barnes representerar en kall, pragmatisk syn på krigets nödvändigheter, medan Elias står för en humanistisk ära som håller på att gå förlorad.

Scenerna av våld och krigsbrott – såsom de svårtittade scenerna i den vietnamesiska byn – är skildrade med en rå och osentimental realism. Det är denna realism som gör Plutonen så kraftfull. Stone låter oss inte vika undan från krigets fasor; vi tvingas konfrontera dem, precis som soldaterna själva.

Oscarsbelönad och tidlös

Vid Oscarsgalan 1987 belönades Plutonen med fyra prestigefyllda statyetter, inklusive Bästa film och Bästa regi. Det var en triumf för Oliver Stone som med hjälp av sina egna erfarenheter som Vietnamveteran som grundbult hade skapat film som inte bara underhöll, utan utbildade och skakade om.

Filmens succé kan också ses som en belöning för Stones hårda slit efter hemkomsten från Vietnam. Under många år kämpade han som (dock framgångsrik) manusförfattare, innan han till sist nådde sitt mål som framgångsrik regissör.

Dess betydelse för genren kan knappast överskattas – den bröt med tidigare, mer patriotiska Vietnamfilmer och lade grunden för senare realistiska krigsskildringar som Rädda menige Ryan och Black Hawk Down.

Plågsam men nödvändig

Nästan 40 år efter premiären står Plutonen fortfarande som en av de mest realistiska och kraftfulla krigsfilmerna någonsin. Filmen är en smärtsam skildring av krigets brutala verklighet, men också en påminnelse om den mänskliga själens styrka och svaghet.

Plutonen är en film som lämnar spår, inte bara i filmhistorien, utan i varje tittares medvetande. Det är en upplevelse som är lika plågsam som den är nödvändig.

Valfri fysisk version står att finna förslagsvis här samtidigt som streamaren förslagsvis kan kika in på denna plats.

”Tillägnad de män som kämpade och dog i Vietnamkriget”.

 

Jan Sundstedt

Plutonen
Plutonen - 1986 US One Sheet

Regi och manus: Oliver Stone
Producenter: Arnold Kopelson och A. Kitman Ho
Musik: Georges Delerue
Längd: 120 minuter
Svensk premiär 20 mars 1987

I rollerna (urval).
Charlie Sheen
Willem Dafoe
Tom Berenger
Keith David
Kevin Dillon
Francesco Quinn
Forest Whitaker
Mark Moses
John C. McGinley
Johnny Depp

Trovärdighet – grunden i vår journalistik sedan 2012

Nya Dagbladets position är unik i det svenska medielandskapet. NyD är oberoende på riktigt. Tidningen ägs och kontrolleras inom den egna redaktionen – inte av stora mediekonglomerat eller utländska intressen.

Sedan grundandet 2012 har grunden i vår oberoende journalistik varit balans och trovärdighet framför sensationsjournalistik och snabba klick. NyD är Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning och står helt fri från politiska partier och industriintressen.

NyD erhåller inget presstöd och finansieras genom läsardonationer och annonser. Läs mer om våra pressetiska riktlinjer här.

Der Baader Meinhof Komplex imponerar med sin realism

Ännu ett mästerverk patenterat tyska Constantin Film såg 2008 dagens ljus i form av "Der Baader Meinhof Komplex". En semi-uppföljare till 2004 års fenomenala "Der Untergang". Denna gång med fokus på 60- och 70-talets vänsterterror i form av tyska Röda Armé-fraktionen.

publicerad 29 mars 2025
– av Jan Sundstedt
Der Baader Meinhof Komplex
RAF:s våldsspiral skenar i 2008 års förnämliga "Der Baader Meinhof Komplex".

I ljuset av den minst sagt surrealistiska samtid vi bevittnar, med nästintill hysteri för normalfarliga luftvägsinfektioner, ultraglobalism inklusive hyperkapitalism, ett återuppväckt kallt krig samt nedmonterande av såväl nations- som välfärdsstater, är det på sin plats att ta del av 2008 års tyska filmpärla Der Baader Meinhof Komplex.

Filmen är producerad av modiga filmbolaget Constantin Film. Samma bolag som några år tidigare bjöd biopubliken mästerverket Er Ist Wieder Da. Här visar man återigen att det faktiskt går att göra film med djup, realism, nyans och samtidigt leverera god underhållning.


Artikeln publicerades ursprungligen på Nya Dagbladet den 26 februari 2022.


Gudomligt befriad från Hollywoods trötta dogmer, agendor och allehanda Budskap om vad vi i publiken ska tycka och tänka.

Der Baader Meinhof Komplex

Som filmens titel antyder utspelas handlingen mot bakgrund av 60- och 70-talets oroliga och dramatiska tidsperiod i dåvarande Västtyskland. En tid som präglades av en gryende vänsterrörelse och i synnerhet den radikala och extremt våldsbenägna Röda armé-fraktionen (RAF) eller som rörelsen heter på tyska: Rote Armee Fraktion.

Röda armé-fraktionen är sprungen ur den vänsterradikala studentrörelsen som var på stark frammarsch i Västtyskland i slutet av 1960-talet. Startskottet för Röda armé-fraktionens verksamhet kan sägas vara den 14 maj 1970, då Andreas Baader fritogs ur ett fängelse i Berlin av Ulrike Meinhof och Gudrun Ensslin.

Under andra halvan av 1977, vilken kom att kallas den Tyska Hösten (Deutscher Herbst), genomförde RAF ett antal våldsamma aktioner i Västtyskland. Ett av de mest kända dåden det året, är den av andra generationen RAF planerade och genomförda kidnappningen av dåvarande chefen för den västtyska arbetsgivareföreningen samt västtyska industriförbundet, Hanns Martin Schleyer.

Många av RAF:s medlemmar kunde dock relativt snabbt gripas och häktas. Ett flertal av dessa dog senare under sin tid i det beryktade Stammheimfängelset, under omständigheter som är baserade på olika mer eller mindre trovärdiga teorier.

Man brukar dela in RAF:s aktiviteter, aktioner och medlemmar i tre generationer och Der Baader Meinhof Komplex fokuserar primärt på första och andra generationen.

Der Baader Meinhof Komplex
Västtyskland var på 1970-talet skådeplats för våldsamma demonstrationer. Här manifesterat i en scen ur ”Der Baader Meinhof Komplex”.

Realism och våld

Detta kan vara den bästa film som gjorts på ämnet i fråga. Producerad på en budget på mellan 13–20 miljoner euro är detta en förstklassig produktion där varenda cent syns i slutresultatet. Allt från handlingens olika tidsepoker; kläder, cigarrettpaket, fordon och arkitektur, med mera, är noggrant genomtänkta. Produktionsdesigner med manskap har således gjort det gedignaste av arbeten.

Tillsammans med filmens utsökta foto griper realismen snabbt tag i tittaren på ett smått trollbindande sätt. Man blir ett med filmen. Trovärdigheten känns total, närvarande och påtaglig. Dialogen är hela tiden trovärdig och autentisk. Regin av Uli Edel är klanderfri och styrs med väloljad finess genom hela filmen. Skådespelarna är sin europeiska vana trogen genialt rollbesatta. Tag Lärdom, Hollywood…

Om Der Baader Meinhof Komplex har något problem så är det att den vill visa praktiskt taget alla händelser från boken (några ”mindre” händelser såsom Mahler-fängslandet, inbrotten på olika registreringskontor för att stjäla blanka pass saknas), med facit att filmen försöker pressa in 10 års historia på 150 minuter.

Resultatet är en film med halsbrytande hastighet. I vissa scener (träningslägret i Jordanien eller rättegången i Stammheim) hämtar filmen andan, lugnar ner sig och tar sig tid för skådespelarna att glänsa. Vilket de gör med bravur och den äran.

Der Baader Meinhof Komplex
RAF utför ett attentat på öppen gata i ”Der Baader Meinhof Komplex”.

Helgar ändamålen medlen?

Mot bakgrund av mina modesta kunskaper i ämnet som sådant, känns manuset helgjutet och väl utmejslat. Som ofta med verklighetsbaserade filmer infinner sig givetvis en och annan historisk kullerbytta samt konstnärliga friheter med sanningen, men inget som fick mitt blodtryck att i frustration rusa till oanade höjder.

Filmen innehåller många scener med starkt våld och explicita sexscener, så den känslige är härmed förvarnad. Filmer likt denna är emellertid obligatoriska att om man önskar få en inblick i hur långt vissa människor är villiga att gå för en viss sak.

Oavsett om man sympatiserar med kampen ifråga eller inte går det enligt mig inte att komma undan det faktum att just detta med att verkligen vilja åstadkomma genuin förändring, trots allt förtjänar en viss form av respekt. Även då ändamålen för att nå målet är smaklösa och ibland direkt avskyvärda.

I enlighet med stolt tysk filmtradition, är Der Baader Meinhof Komplex en fröjd att beskåda. Oavsett om det gäller den mer politiskt intresserade betraktaren eller den som önskar se en välgjord dramathriller med alla de ingredienser som inbjuder till ett par timmars underhållande och tankeväckande tidsfördriv.

Valfri fysisk version av filmen finns att införskaffa på denna plats samtidigt som streamingentusiasten här finner lystmäte.

 

Jan Sundstedt

Der Baader Meinhof Komplex - 2008 tysk filmaffisch.

Regi: Uli Edel
Manus: Bernd Eichinger och Uli Edel, efter en bok av Stefan Aust
Producenter: Bernd Eichinger, m. fl.
Musik: Peter Hinderthür och Florian Tessloff
Längd: 150 minuter
Svensk premiär 17 oktober 2008

I rollerna (urval).
Martina Gedeck
Moritz Bleibtreu
Johanna Wokalek
Jan Josef Liefers
Nadja Uhl
Alexandra Maria Lara
Heino Ferch
Stipe Erceg
Bruno Ganz

Trovärdighet – grunden i vår journalistik sedan 2012

Nya Dagbladets position är unik i det svenska medielandskapet. NyD är oberoende på riktigt. Tidningen ägs och kontrolleras inom den egna redaktionen – inte av stora mediekonglomerat eller utländska intressen.

Sedan grundandet 2012 har grunden i vår oberoende journalistik varit balans och trovärdighet framför sensationsjournalistik och snabba klick. NyD är Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning och står helt fri från politiska partier och industriintressen.

NyD erhåller inget presstöd och finansieras genom läsardonationer och annonser. Läs mer om våra pressetiska riktlinjer här.

Fem förnämliga filmer med Gene Hackman

Mot bakgrund av den tråkiga nyheten kring Gene Hackman och hustrun Betsy Arakawas död, önskar kulturredaktionen hedra minnet av skådespelarlegenden med en gott-och-blandat-påse innehållande fem utsökta alster med Hackman i bärande roller.

publicerad 15 mars 2025
– av Jan Sundstedt
Gene Hackman The Royal Tenenbaums
Gene Hackman (1930 - 2025), i en av sina många paradroller: "The Royal Tenenbaums".

Gene Hackman må nu ha lämnat oss, men hans minne och prestationer lever vidare. Med ett häpnadsväckande cv bestående av 101 (!) rollprestationer har han få motsvarigheter i Hollywood – en karriär lika imponerande som mångsidig.

Hackman var en av de där sällsynta skådespelarna som aldrig förlitade sig på yviga manér eller teatraliska överdrifter. Hans förmåga att gestalta komplexa, ofta motstridiga manliga karaktärer var närmast oöverträffad. Han kunde vara brutal och sårbar, självsäker och plågad – ibland i en och samma scen. Oavsett genre rörde han sig obehindrat mellan rollerna och gjorde dem alltid trovärdiga.

Mot bakgrund av den tråkiga nyheten är det således på sin plats att hedra minnet av Gene Hackman med ett ödmjukt tips på fem filmer, som samtliga kan ses som essentiell tittarupplevelse vad gäller skådespelaren men också människan Gene Hackman.

Gene Hackman
Gene Hackman – kamelont och mångsidig som få. Foto: kollage/X/@il0venostalgia

Fem godbitar

En lista av detta slag är, som den kloke läsaren givetvis inser, högst subjektiv. Man bör dock inte bli alltför tagen på sängen av några av titlarna här nedan, då ett par av dem tenderar att dyka upp i liknande sammanhang.

Filmerna presenteras i kronologisk ordning, snarare än en rangordning – ett rättvist grepp när det gäller en så gedigen filmografi.

1. The French Connection – Lagens våldsamma män (1971) – regi: William Friedkin

Ska man se endast en kriminalfilm innan ridån går ner, torde The French Connection vara given. I rollen som den kompromisslöse, hårdföre polisen Jimmy ”Popeye” Doyle levererar Hackman en oslagbart intensiv och realistisk prestation, vilket också gav honom hans första Oscar.

William Friedkins polisthriller satte en ny standard för genren vid premiären 1971. Filmen belönades med fem Oscars, däribland Bästa film och Bästa manliga huvudroll för Hackman. Hans insats som Doyle är en av karriärens mest oförglömliga – en rollfigur med skit under naglarna och en brutal hårdhet som kändes äkta.

Denna råa och dokumentärt skitiga skildring av New Yorks undre värld är än idag ett kraftprov i genren.

The French Connection hade svensk premiär 28 augusti 1972.

2. Superman: The Movie (1978) – regi: Richard Donner

Richard Donners superhjälte-epos är nog bekant för de flesta, men få superhjältefilmer hade varit lika minnesvärda utan Hackmans smått ikoniska skurkporträtt. Som den självgode och diaboliskt charmiga Lex Luthor stjäl han scener med en kombination av komisk finess och hotfull intelligens.

Med en mix av humor och hotfullhet lyckas Hackman göra Luthor till en oförglömlig skurk. Det sades att han till en början inte ville raka huvudet för rollen, men kompromissen blev att Luthor bar olika peruker – ett drag som adderade till rollfigurens excentriska karaktär – en antagonist med karisma, långt ifrån dagens CGI-stinna skurkar.

Richard Donners mästerstycke satte dessutom ribban för alla framtida superhjältefilmer.

Superman The Movie hade svensk premiär 19 februari 1979.

3. Självmordspatrullen (Uncommon Valor, 1983) – regi: Ted Kotcheff

Det må kanske överraska någon att denna något udda fågel ur Hackmans långa karriär har letat sig in. Dock inte för undertecknad. Här gestaltar han en Vietnamveteran som samlar en grupp gamla soldater för att frita sin son ur ett vietnamesiskt fångläger.

Filmen, producerad i efterdyningarna av Vietnamkriget, har med åren växt till något av en kultklassiker. Hackmans insats är fylld av mänsklig värme och beslutsamhet, vilket lyfter filmen långt över dess genrekonventioner.

En hårdkokt men känslosam krigsfilm, där Gene Hackman visar varför han var mästare på att förmedla både auktoritet och djup mänsklighet i en och samma roll.

Självmordspatrullen hade svensk premiär 13 april 1984.

4. De skoningslösa (Unforgiven, 1992) – regi: Clint Eastwood

Västernfilmernas västernfilm? Det kan en absolut, med gott fog, anse om Clintans enastående anti-vålds-opus från tidigt 90-tal. Hackman spelar den sadistiske sheriffen ”Little Bill” Daggett, en man vars moraliska kompass är lika skev som hans våldskapital är hänsynslöst.

Filmen belönades med fyra Oscars, varav Hackman vann sin andra Oscar för Bästa manliga biroll. Hans porträtt av Daggett är på en gång karismatiskt och fruktansvärt skrämmande, en av de mest minnesvärda antagonistrollerna i modern filmhistoria.

Rollen bekräftade än en gång Gene Hackmans unika förmåga att gestalta komplexa skurkar som inte bara var onda, utan också mänskliga.

De skoningslösa hade svensk premiär 11 september 1992.

5. Enemy of the State (1998) – regi: Tony Scott

”Du är övervakad, medborgare, och det går inte att undkomma.” Det är temat för Tony Scotts actionladdade och dystopiska konspirationsthriller. En film som var långt före sin tid i sin kritik av massövervakning och digital kontroll. Hackman spelar en ex-NSA-agent, en paranoid och desillusionerad man som vet lite för mycket om maktens mörka sidor.

Gene Hackmans roll kan också ses som en slags andlig uppföljare till hans karaktär i Francis Ford Coppolas Avlyssningen (1974), och han ger filmen tyngd med sitt luttrade och paranoida uttryck. Enemy of the State förutspådde dessutom det moderna massövervakningssamhället långt innan det blev en realitet.

En påminnelse om att Gene Hackman, trots sin status i Hollywood, aldrig var rädd för att låna sitt namn till filmer med ett budskap.

Enemy of the State hade svensk premiär 18 december 1998.

En legend lever vidare

Så där har vi dem – fem förnämliga Gene Hackman-godbitar att njuta av, återupptäcka eller uppleva för första gången. Ett axplock ur en karriär som få kan mäta sig med och en skådespelare vars avtryck på filmhistorien är lika oförglömligt som hans roller.

Gene Hackman Mississippi Brinner
Foto: Imdb

Gene Hackman var en av Hollywoods mest respekterade skådespelare, en man som med sin närvaro kunde lyfta vilken film som helst. Oavsett genre, oavsett roll, så fanns det alltid en ärlighet i hans skådespeleri. Hans arv är odödligt, och hans filmer kommer fortsätta att inspirera i generationer framöver.

 

Jan Sundstedt

Trovärdighet – grunden i vår journalistik sedan 2012

Nya Dagbladets position är unik i det svenska medielandskapet. NyD är oberoende på riktigt. Tidningen ägs och kontrolleras inom den egna redaktionen – inte av stora mediekonglomerat eller utländska intressen.

Sedan grundandet 2012 har grunden i vår oberoende journalistik varit balans och trovärdighet framför sensationsjournalistik och snabba klick. NyD är Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning och står helt fri från politiska partier och industriintressen.

NyD erhåller inget presstöd och finansieras genom läsardonationer och annonser. Läs mer om våra pressetiska riktlinjer här.

Storkäftade klassikern med mod och morske män

Steven Spielbergs genombrott och legendariska filmatisering av romanen Jaws är mer tidlös än många känner till. I Hajen ges bland annat prov på vad mod och beslutsamhet kan åstadkomma i kampen mot korruption.

publicerad 28 februari 2025
– av Jan Sundstedt
JAWS Hajen
Terror griper tag i ortsbefolkningen.

Steven Spielbergs beslut att ta sig an författaren Peter Benchley och dennes oväntade kioskvältare Jaws (Hajen), gav vid tidpunkten den numera världsberömde regissören med stor sannolikhet upphov till ett flertal tankar. Två saker han inte räknat med kan ha varit vilken utomjordisk succé filmen skulle komma att bli och att inspelningen skulle bli en mardröm modell redig hjärtsnörp.


Artikeln publicerades ursprungligen på Nya Dagbladet den 28 oktober 2022.


Boken – förlagan

Romanen Jaws växte fram ur författaren Peter Benchleys fascination för hajar i allmänhet och hajattacker i synnerhet. Den episod som Benchley ofta nämnt som ögonöppnare är den om hajfiskaren Frank Mundus dramatiska upplevelse år 1964. Mundus fångade då en vithaj på över (ej formellt vägd) två ton, i Montauk, Long Island, utanför New York.

Fram till 1971 hade Benchley försörjt sig i huvudsak som frilansjournalist samt (under en kortare period) som talskrivare åt dåvarande president Lyndon B. Johnson. Han gjorde vid tidpunkten ett enligt honom själv ”sista försök att försörja mig som författare”.

Via sin agent lät han föreslå två idéer till hugade bokförlag och publicister. Ett förslag gällde en ”mördarhaj som terroriserade ett litet semester- och fiskesamhälle”. Bokförlaget Doubleday nappade på idén och gav Peter Benchley ettusen dollar i förskott för ett utkast. Ett utkast som kom att bli romanen Jaws.

Den inbundna utgåvan höll sig på bästsäljarlistan i 44 veckor och den efterföljande pocketboken sålde året därpå miljontals exemplar. Recensionerna var blandade. Många kritiker menade att prosa och karaktärisering saknades men de flesta var överens om romanens effektiva spänning.

Två nyckelpersoner som fått upp ögonen för romanen redan innan publicering var producenterna Richard D. Zanuck och David Brown. Duon var snabbt framme och nöp filmrättigheterna till boken för 175 000 dollar. Nu gällde det att finna en kompetent och våghalsig regissör…

JAWS Hajen
Romanen Jaws – pocketbok 1975.

Enter Steven Spielberg

Den vid tidpunkten 27-årige Spielberg hade 1973 regisserat sin första långfilm The Sugarland Express för Jaws-producenterna Zanuck/Brown. I samband med ett möte på herrarnas kontor noterade den numera världsberömde regissören ett exemplar av den opublicerade romanen.

Efter att ha norpat med sig och läst boken fängslades han ögonaböj och noterade bland annat att grundstoryn liknade hans tv-film Duel (Duellen, 1971), genom att båda handlar om ”bjässar som urskiljningslöst attackerar människor”.

Sedan påtänkte regissören John Sturges fått foten med anledning av att han ”inte såg skillnad på val och vithaj”, föll valet på unge herr Spielberg. Filmen erhöll en initial budget på 3.5 miljoner dollar och ett inspelningsschema på 55 dagar. Inspelningsstart sattes till maj 1974 och förväntades vara färdig i slutet på juni. Nu blev det inte riktigt så.

Steven Spielberg JAWS
Spielberg och Bruce våndas under inspelningen av ”Jaws”.

Marthas’s Vineyard

Val av inspelningsplats föll på ön Martha’s Vineyard, Massachusetts. David Brown förklarade att produktionen ”behövde ett semesterområde som var tillräckligt mycket medelklass så att en aggressiv hajs plötsliga närvaro skulle riskera att förstöra turistverksamheten och därmed mycket av ortens ekonomi”.

Platsen valdes också med anledning av att omgivande hav har en sandbotten som inte överstiger 11 meters djup, så långt ut som 19 km. Detta gjorde det möjligt att på ett praktiskt sätt arbeta med de mekaniska hajarna samtidigt som man gav skenet av att vara långt ute till havs.

Spielberg ville filma så mycket som möjligt av vattensekvenserna ur en badandes perspektiv. För detta ändamål utarbetade filmfotografen Bill Butler nyskapande kamerautrustning. Inklusive en rigg för att hålla kameran stabil oavsett tidvatten samt en snillrik förseglad och sänkbar kameralåda.

Problem och strejkande Bruce

Exempel på problem som fick Steven Spielberg att genomlida panikattacker och mardrömmar – när inspelningen efter 159 dagar äntligen var över:
– Den mekaniska hajen Bruce (döpt efter regissörens advokat) krånglade konstant. Vilket mer eller mindre tvingade Spielberg att anamma principen ”less is more” för scener som involverade hajen.
– Robert Shaw (färgstarke hajfiskaren Quint) var ökänd för sin kärleksfulla relation till alkohol. Han krökade regelbundet och hamnade ofta i öppen konflikt och bråk med främst Richard Dreyfuss (oceanologen Matt Hooper). En oanad konsekvens av männens grälsjuka relation blev att spänningarna mellan Quint och Hooper blev än mer realistiska.
– Filma på plats, till havs, visade sig omgående vara oerhört komplicerat. Utöver en strejkande Bruce så vattenfylldes kameror och annan utrustning frekvent. Quints fiskebåt The Orca sjönk titt som tätt och vid ett tillfälle var båtens propeller nära att dekapitera Carl Gottlieb (en av flera manusförfattare till Jaws).

En bok jag kan rekommendera är Memories From Martha’s Vineyard. Där finns allt den intresserade önskar veta om den problemtyngda inspelningen.

JAWS Hajen
Polischef Martin Brody (Roy Scheider) bevittnar en hajattack i ”Jaws”.

Roman vs. film

Filmen innehåller betydande skillnader jämfört med sin litterära förlaga. Spielbergs version är mer en fristående tolkning på egna ben och inte en karbonkopia – tack och lov för det.

Tre markanta skillnader:
1. I filmen är karaktärerna överlag sympatiska. Så icke i romanen. Matt Hooper är en oförskämd knöl som hoppar i säng med polischef Brodys fru Ellen. Ellen Brody är i sin tur drivande i denna amorösa utsvävning och en gnällspik modell större. Hennes make polischefen (Martin Brody) är en bitter dysterkvist som gärna tar till nävarna när orden tryter.
2. Borgmästare Vaughn är i filmen ingen ondskefull person med maffiakopplingar. Naiv och ovillig att inse faran, ja, men ingen herr Krabba-liknande figur med profithungriga händer i skuld till yrkeskriminella. En skuld som i sin tur får ödesdigra konsekvenser får ortens invånare.
3. Slutet. Utan att avslöja för mycket, låt mig kortfattat konstatera att filmversionen äger.

Vi får tacka försynen och Steven Spielbergs genidrag att helt kasta ointressanta och onödiga sidohandlingar överbord. Istället fokuserar han på en mer linjär och för tittaren mer begriplig äventyrsthriller med inslag av fruktan och terror.

Filmens handling torde för gemene man – såvida en inte sovit under en sten i 47 år – vara välkänd. Därav endast några rader om denna.

Från till synes ingenstans bestämmer sig en gigantisk vithaj för att invånarna i den lilla sömniga orten Amityville passar utmärkt som måltider. Filmens inledande scen och tillika hajattack, föranleder stadens polischef att söka stänga badstränderna. Något han motarbetas från att göra av stadens kommunfullmäktige, som ser intäkterna från sommarturisterna puts väck.

Föga förvånande följer ytterligare dödliga attacker varpå man till slut bestämmer sig för att ha ihjäl besten. Det blir nu upp till trion Brody, Hooper och Quint att oskadliggöra det dödliga hotet.

Braksuccé

Jaws hade premiär i USA den 20 juni 1975 och inledde sitt segertåg med en rekordhelg på 7 miljoner dollar, och på blott tio dagar hade den tjänat in över 21 miljoner dollar. På den vägen fortsatte det, med över 100 inspelade miljoner dollar på endast 59 dagar – oöverträffat för sin tid.

Filmen tillbringade sedan 14 veckor i rad som amerikansk listetta och internationella penning- och publiksiffror pekade på samma sak – spikrakt uppåt.

Jaws är, justerat för inflation, till dags dato fortfarande på topp tio-listan över mest inkomstbringande filmer någonsin.

Box office JAWS

Mandom, mod och morske män

Det krävs ovan nämnda för att ens försöka sig på att göra en film som Jaws. 70-talet var en tid då dessa egenskaper fortfarande existerade i Hollywood. Det märks mer än väl på slutprodukten. Det är en makalös film som levererar på alla tänkbara plan. Spänning, fruktan, äventyr, beslutsamhet samt en och annan, för anspänningens skull, roande scen.

Mitt i all nagelbitande dramatik och nervkittlande raffel finns även sensmoral värd att notera. Jaws visar med all önskvärd tydlighet vad politisk endera naivitet eller korruption kan orsaka för skada. I filmen med oskyldiga dödsoffer som följd.

I motsats till detta får vi prov på vad beslutsamhet, mod, kampvilja, enighet och morske män kan åstadkomma. Med fara för sina egna liv beslutar sig filmens tre musketörer för att konfrontera problemet. Med ruter, tåga och ett ovisst öde tar man sig an uppgiften – utan tillstymmelse till woke och politisk korrekthet. I Jaws finns ingen plats för sojadrickande och feminiserade män.

Dah-dah-dah-dah…

Manuset är prickfritt med en dialog som känns naturlig. Regissör Spielberg har kanske aldrig varit bättre än i detta hans genombrott. Fullständigt enastående och i synnerhet om man begrundar vad han fick genomlida. Filmen är fylld till brädden av färgstarka karaktärer som vi önskar veta mer om och lära känna. Från de tre klarast lysande stjärnorna till minsta statistroll.

De krånglande specialeffekterna lyckas man till slut få ordning på så pass att vi som åskådare sväljer… historien med hull och hår. Bra jobbat, Bruce.

 

 

En särskild not av tacksamhet går till kompositören och legenden John Williams. Steven Spielberg har sagt att ”filmen skulle inte ha blivit hälften så uppskattad och framgångsrik, om det inte vore för ’Johnnys’ geniala ledmotiv och exceptionella musik”. Jag kan bara instämma med föregående talare.

Förslag på hur denna anrika rätt bör serveras, är framför allt den enastående 4K UHD-utgåvan som härförleden tacksamt såg dagens ljus. Den går att finna via denna länk. Jag pysslar inte med streaming så det får en själv leta upp.

Filmen får givetvis mina helhjärtade rekommendationer. Något annat kan inte komma på fråga. Jaws är en typ av film som inte längre produceras, så passa på och njut innan det är försent. Avslutningsvis vill jag passa på och säga att… Vi kommer att behöva en större båt…

 

Jan Sundstedt

Hajen JAWS
JAWS - 1975 US One Sheet.

Regi: Steven Spielberg
Manus: Carl Gottlieb och Peter Benchley
Producenter: David Brown och Richard D. Zanuck
Musik: John Williams
Längd: 124 minuter
Svensk premiär 20 december 1975

I rollerna (urval).
Robert Shaw
Roy Scheider
Richard Dreyfuss
Lorraine Gary
Murray Hamilton
Jeffrey Kramer

Trovärdighet – grunden i vår journalistik sedan 2012

Nya Dagbladets position är unik i det svenska medielandskapet. NyD är oberoende på riktigt. Tidningen ägs och kontrolleras inom den egna redaktionen – inte av stora mediekonglomerat eller utländska intressen.

Sedan grundandet 2012 har grunden i vår oberoende journalistik varit balans och trovärdighet framför sensationsjournalistik och snabba klick. NyD är Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning och står helt fri från politiska partier och industriintressen.

NyD erhåller inget presstöd och finansieras genom läsardonationer och annonser. Läs mer om våra pressetiska riktlinjer här.

Missa inte en nyhet igen!

Anmäl dig till vårt nyhetsbrev idag!

Ta del av ocensurerade nyheter – fria från industriintressen och politisk korrekthet från Sveriges bredaste helt oberoende dagstidning – varje vecka.